从壁画到挂轴：五代至南宋绘画艺术的转型
从壁画到挂轴：五代至南宋绘画艺术的转型
五代至南宋这近四百年时间，是中国绘画史上一个特殊而关键的阶段。越来越多的画家，脱离了寺庙和宫室壁画的集体创作，壁画与卷轴画形成新的互动关系；挂轴的产生以及对手卷形式的探索，催生出影响深远的构图样式和观看方式；日臻细化的绘画分科，隐含着绘画实践的进一步专业化；中央及各地方政权的深度参与，导致绘画创作的行政化和机构化，进而形成中国历史上，从未出现过的综合性宫廷绘画系统；孕育中的文人绘画发挥出越来越大的作用，其美学观念影响了宫廷趣味和宗教绘画的风格，为其最终成为中国绘画主流开启了先河。
中国传统绘画的变革
著名美术史家巫鸿在《中国绘画：五代至南宋》一书中指出，在五代到宋这个时期，绘画在中国历史上，第一次获得了独立地位，单独构成了一种视觉艺术类型。
从上古时期到唐代末年，我国传统绘画的主要形式载体是壁画和屏风。画墙壁和屏风，一个是房屋建筑里的构建，一个是家具，它们的重要作用，都是把建筑空间进行切割，划分出不同的功能区域，而上面的各种图案和纹样，主要是起到一个装饰性的作用。所以用今天的话说，在唐代之前，绘画的作用与其说是一种独立的视觉艺术，不如说是一种为建筑和家具，进行美化锦上添花的装饰。
然而从五代到宋，有两种全新的绘画装裱方式诞生，一种叫手卷，一种叫挂轴。
手卷就是一种高度在三十厘米左右的绘卷，在收纳状态是圆筒状，中间有轴。原本，这是中国传统文字书籍档案的装订方式，但从两汉魏晋时代开始，就逐渐被用于绘画作品的装裱和展示。一件手卷就变成了集诗歌、书法与绘画于一身的综合艺术品，手卷的展示与鉴赏，也显示了中国传统绘画的独特魅力。随着手卷的打开，通过绘画形象构成的主题，和故事如同电影一样，在观赏者面前徐徐展现，让每一名观众都产生持续不断地遐想与期待，也形成了手卷展示者、观赏者以及画卷本身三方的互动。
再来介绍一下挂轴；相对于手卷，挂轴出现的时间比较晚，作者巫鸿考证说，挂轴这种装裱形式，可能最初出现在唐代，最终于宋代发展完善。如果简单粗暴地类比一下，可以说挂轴就是画面树立，上下长而左右窄的手卷，可以长时间悬挂在墙壁上线上，而它竖长形的构图形式，则是借鉴了之前的屏风绘画。作者巫鸿在书里举例考证说，活跃在五代末年至宋代的著名画家，居然流传到今天的几幅挂轴名作，比如西山兰若图、层岩丛树图以及秋山问道图。很可能，原本是为一架多扇屏风创作的装饰画，后来被分别取下装表，变成了挂轴绘画，然后落入不同的藏家之手。
那么，这两种全新的绘画装裱收藏技术的诞生，对于绘画本身有什么影响呢？其实，那就是更加便携的特性，让绘画拥有了更强的社交属性，方便画家和鉴赏收藏者，聚集起来进行社交买卖与品鉴活动，进而创造了一个所谓的艺术审美共同体。从而进一步推动了绘画技术的进步和审美标准的形成，这个情况，和手机拍照技术与移动互联网成熟后，基于手机照片和短视频分享的互联网社交平台纷纷出现，同时颠覆了原有的摄影艺术审美标准是一个道理。
我们再来看看从五代到宋代，由于绘画艺术的繁荣，绘画的题材出现了哪些细分领域？首先我们来看看山水画；山水画的兴盛，与道教、佛教信仰在中国的逐渐普及密切相关。在唐代之前，之所以山水等自然景观，没有被当做重要的绘画题材，是因为当时的画家认为，这些自然界中的地理景观没有内在的生命，因而作为创作主题的人，和它们难以产生精神上的共鸣。然而，佛教哲学的核心思想就是，人对外部世界的感知与观察完全取决于自己的心智，也就是说，我们感官中呈现出来的外部世界，正是人类内心世界的延伸。所以，从东晋到隋唐，无论是文学还是绘画，都开始逐渐追求这种以自我为中心、强化感知的创作手法。描写的重点，可能是景物转瞬即逝的某一刻，而且创作者的情绪和心境，和诗歌绘画中所描述的景象混为一体，没有界限。读者可以跟随诗句的描写，或者画家的笔触，在山水楼台和诗人的内心感怀之间随意穿越。
其次，人物肖像画在五代到宋这个时段，也有了长足的进步，总体来说，这个时期的人物肖像画更加写实，能够精确反映出人物的五官与容貌以及体态特征。为什么画家的技巧，出现了突飞猛进的进步呢？作者巫鸿就说了，首先，宋代结束了唐末五代的战乱割据局面，实现了统一。中国的社会经济，在两宋之间达到了高度繁荣，极大地促进了艺术品的创作和消费需求。另外，由于唐末残酷的战乱，让许多人远离故土，异地定居，所以他们格外重视各类祭祖活动。而在祭祀活动中挂出一幅栩栩如生的祖先画像，能够有效让子孙们牢记家族血脉的渊源，增加家族向心凝聚力。不仅如此，包括佛教、道教在内，很多宗教信仰在中国的广泛传播，也促进了人物肖像绘画技术的进步。
艺术变革背后的主要推动者
作者提到，这场绘画变革背后的主导力量，其实是人，包括当时的文人、官僚、士大夫，还有那些为宋代皇家宫廷服务的职业画师。我们知道，宋代是一个君主和中央王朝权力，大大增强的朝代，同时由科举考试选拔的士大夫、知识分子逐渐构成了各级官僚的主体，而长期占据统治地位的门阀大族则逐渐衰落。后世的历史研究者，就把这场社会政治层面的变革，称为唐宋之变，这种政治上的趋势，必然也会决定当时的社会风气，最终反映在当时的艺术创作中。
作者巫鸿总结说，时代之变对于宋代绘画的影响，具体表现为两项，首先是，皇帝与宫廷一方面积极赞助绘画，同时也利用自己的偏好，对绘画的审美与发展，施加了越来越大的影响，另一方面，就是新兴的士大夫、官僚群体逐渐成为绘画创作和品鉴的主体。
从唐代开始，由于经济的持续繁荣，和物质财富的持续积累，让文人官僚的日常生活，与社交呈现出审美化和艺术化的倾向，创作和品鉴成为他们社交、聚会、消遣的主要乐趣之一。这种审美活动成为士大夫、官僚之间加强凝聚力的重要推手，所以，古代中国绘画艺术的标志性流派文人画，也就在这个时期宣告诞生。
那由科举考试选拔出来的士大夫、官僚，是如何把影响力从政治舞台，延伸到艺术领域的呢？首先，北宋初年，在皇帝的旨意下，朝廷设立了一个新的机构，叫翰林学士院，职责是起草朝廷文件，同时为皇帝当顾问，提供政治决策上的建议。九九一年，宋太宗亲自给学士院的正厅，写了一块匾额叫玉堂，从此玉堂也成为学士院的别称。有趣的是，皇帝在这个办公厅里，布置了丰富的壁画和屏风画，后来，但凡是学士院里官僚的优秀作品，也有机会被公开在玉堂里展示。渐渐的，玉堂就变成了，学士院官员的优秀绘画作品展览厅。
为了把职业画家的画风，和士大夫精英阶层的精神统一起来，后来的宋徽宗还做出了一个这样的决定，那就是用科举的方式来选拔皇家画师。考试内容之一，就是要这些画家先读古代文学大家的诗词，然后以其中的诗句来作为绘画命题，只有那些能把古人的诗意，和绘画表现融会贯通的作品才是好作品。后来，这种要求就变成了中国传统文人画里的，一个重要评价准则，叫诗画相通。正如北宋著名诗人和画家张舜民总结的那样，诗是无形画，画是有形诗。
另外，宋徽宗还先后任命李宓、宋子房等著名文人士大夫，担任皇家画院的博士，也就是专业老师，来对这些职业画家进行文化教育，让他们更能领会，士大夫官僚心目中的审美标准。
我们再来看看，宋代皇帝和宫廷在这轮绘画艺术变革中的作用。作者巫鸿在书里说，首先在宋太宗的主持下，北宋朝廷在公元九八四年，也就是雍熙元年成立了一个御用绘画机构，叫翰林图画院，把全国各地的著名画家悉数网罗进来。这些有了编制和固定工资的画家，他们的主要任务，就是为皇帝和宫廷提供服务，从绘画到壁画创作，临摹宫廷收集的古代名人字画，以及为皇帝当枪手代笔生产，赏赐臣下的书画等等。这些奉旨创作的美术作品，其核心目的，主要就是宣扬皇帝的仁政和所谓的繁荣盛世。
在宋代绘画中，最能体现皇权影响艺术创作的案例，莫过于宋代山水画中一种固定的构图技法，叫大山堂堂。这个专有名词，是刚才提到过的北宋山水画家郭熙发明的，什么意思呢？就是说一幅山水画，画面中心是一座雄伟的大山，牢牢地占据了中心地位，并且控制了整幅画面的布局。其余的山岗、峰峦、林木等等均处于次要地位，仅仅是点缀，在西方关于中国传统美术与绘画的研究著作中，这种大山堂堂构图还获得了一个独特的名字，叫纪念碑式风景画。
在宋代山水画里，大山堂堂这种构图的经典之作，或者说开山之作，是著名画家范宽的溪山行旅图。这幅雄伟大气的作品中，雄伟的山峰充满了画面的三分之二，是绝对主角。以往山水画里，比重比较大的前景被大幅度压缩，从而让观众感觉到如同纪念碑一样的山峰，从云雾中突然升起，和画面下方，如同楼一样的人物形成了鲜明对比。作者巫鸿分析说，大山堂堂这种绘画构图，之所以出现，一方面是挂轴这种绘画装裱方式的普及，让画家们都倾向于用竖直的长方体画面，来设计自己的构图。但更重要的是，北宋朝廷，希望皇家画院拿出能够彰显皇帝权威的绘画作品。所以在《大山堂堂》这种构图里，画面中央的山峰，实际上是代表高高在上的皇帝本人，具有不可动摇的绝对权威，而其他万物则只能是臣服于大山的点缀。
一一零四年，宋徽宗开办了画学，可以被看作是皇家宫廷下属的绘画艺术培训机构，以类似科举考试的办法，从全国选拔绘画艺术家。入选之后，这些画家不但，要按照主题分类，比如花鸟、山水、鸟兽、人物等等，学习提升自己的绘画技巧，而且还要接受系统的美学教育，比如临摹和观赏宫廷收藏的，历代画家墨宝。宋徽宗还规定，出类拔萃的画家可以佩戴鱼服，鱼服是一种外形如同鱼类的金属配饰，在唐宋时代只有官员才能佩戴，而宋徽宗继位后，宣布皇家画院里的优秀画家也可以佩戴。这名画家在宫廷中的地位大大提升，不再是卑微的工匠，同时，由于对绘画艺术的热爱，宋徽宗已经不满足于，充当画家们的评审与赞助人，而是要亲自下场参与创作以及交流。
如果非要列举一张大家最为熟知的宋代传世名画，那估计很多人都会投票给张择端的明上河图。这张绘画频繁出现在各种场合，从咱们小时候用过的课本，到各种旅游文化专题片和文创延伸商品。实际上，这幅传世名作的尺寸，并没有我们想象中的那么巨大。它画卷高二十四点八厘米，长五点二八米，装裱形式为手卷。在有限的空间里，作者张择端描绘了八百一十四个人物、一百七十多棵树木、六十多头牛马牲畜、三十多栋房屋楼宇以及二十八艘船只。作者巫鸿评论说，清明上河图之所以，在绘画史上有着显赫的地位，不仅是因为它是写实主义和手卷绘画技术的高峰，更是一部北宋末年，社会生活现状的视觉百科全书。
结语
以上就是《中国绘画：五代至南宋》这本书的主要内容，总体来说，任何一个时代的艺术作品，都是当时社会经济生活与价值取向的反映以及写照。唐宋时代，是中国传统历史上的又一个大变革与繁荣稳定的高峰，被称为第二帝国时代。持续大一统，所带来的社会稳定与经济增长，必然导致艺术与审美消费的繁盛。同时，由于传统中国，逐渐从门阀大族时代，进入了士大夫官僚时代，通过科举晋升为官僚的知识分子，构成了帝国官僚的主体。那么这种政治权力格局上的巨变，必然导致社会经济乃至文化生活上的变革。于是艺术、审美与创作也相应的同时，在创作主题、技术与载体三方面出现了革新与变化。