为什么布鲁克纳值得被纪念？
为什么布鲁克纳值得被纪念？
今年是布鲁克纳诞辰200周年，世界各地纷纷举办纪念音乐会。7月13日，苏州交响乐团在首席指挥许忠的带领下，上演了一场精彩的布鲁克纳专场音乐会。本文将带领读者深入了解这位19世纪晚期浪漫派作曲家的生平、创作特点以及其最具代表性的《第七交响曲》。
安东·布鲁克纳是晚期浪漫派的奥地利作曲家，也是19世纪中后叶在交响曲领域很有代表性的人物，他曾经是马勒的老师。布鲁克纳一生创作过带编号的九部交响曲，他的交响曲创作历程是艰难而充满坎坷的，由于作品写得太复杂，以至于维也纳的乐团曾拒绝作品的首演，而当时能够欣赏这些作品的观众更是寥寥无几。
但是，布鲁克纳凭借自身超凡的意志力坚持创作，并最终获得了公众的认可。《第七交响曲》首演时获得了观众的一致好评，那么，这部作品何以打动听众？布鲁克纳如何能够从瓦格纳的歌剧创作中找到交响曲写作的灵感，进而奠定晚期浪漫派交响曲的宏大叙事风格呢？聆听过《第七交响曲》之后，便可以找到些许答案。
《第七交响曲》延续了之前交响曲的创作风格，依然属于大笔如掾的鸿篇巨制。当然，布鲁克纳为了在长时间的演出过程中，保持观众对作品的熟悉度和聆听兴趣，会将一些重要的素材和信息以重复的方式，贯穿于四个乐章之中。首当其冲的就是弦乐队的震音。
从第一乐章开始，弦乐队使用震音营造着一种升华的氛围，从微弱的震音中逐渐展露的上升音型，像迷雾中冉冉升起的太阳，为处于迷茫中的人们带来一丝温情。这种写作手法同样出现在《第四交响曲》的开始，上升音型或许可以称得上是布鲁克纳式主题的特征之一。
他写的主题气息悠长、可听性较强，指挥家许忠也用边指挥边吟唱的方式，带动弦乐队以增强旋律的流动性。小提琴演奏家、苏州交响乐团当晚乐队首席成昂等，用拉奏出的、情绪饱满的音符积极回应着指挥热切的情感。浪漫派作曲家的作品向来以讫情尽意著称，在音乐中无限挖掘连接各种情感的手法，情深意切的表演是对浪漫主义风格较为准确的把握。之后，震音音型就像《第七交响曲》的基础要素一般出现在每个乐章之中，形成了连接庞大交响曲的逻辑性纽带。
今晚的演出令人惊讶的是指挥家所引导的作品速度，布鲁克纳的交响曲以慢著称，常被人们理解为缺乏音乐张力的缓慢速度。许忠有意识地推动作品向前发展的步履，尽可能减少由此带来的听觉疲劳。当然这也给演奏员增加了表演难度，在贯穿震音技法的作品中加快速度，极其考验弦乐队的演奏水准。不过，苏州交响乐团的演奏员是经得起考验的，成昂等弦乐队演奏家不仅是世界名校耶鲁音乐学院的毕业生，还有着国内外比赛和演出的丰富经验，他们用纯熟技法的作支撑，使得《第七交响曲》拥有了另一种诠释的可能。
目前音乐学界比较关注的还是《第七交响曲》的慢乐章，正如塔鲁斯金对《第七交响曲》慢乐章的评论：“此乐章浩瀚的扩张以及充斥的降六级音，证明作曲家关注有机形式，其中每件事物（伴随瓦格纳的无终旋律）都是主题性的。”关注慢乐章的原因有二，其一是对瓦格纳的悼念，其二是慢乐章集中展现了布鲁克纳的宗教情怀。但值得关注的是，在作品的第一乐章的主题中已经非常明显地模仿了管风琴的音色，并用赋格式的织体呼应并使其强化。因此，另一个贯穿整部作品的因素还包括宗教性。
第一乐章为宗教性特点埋下伏笔，到了第二乐章则将其无限放大并集中体现这首作品人文关怀的价值。众所周知该作品的慢乐章具有葬礼进行曲的特点，这里的葬礼进行曲不仅仅是作曲家在表达感伤的悲情，而是以宗教信仰之名歌颂瓦格纳的伟大。在大师逝世的一刻，用宗教中特有的仪式，使其已终结的生命获得超脱和升华，当然唯有音乐能够记录并使人回忆起精神永恒的时刻。
第三乐章谐谑曲写作的中规中矩，直到第四乐章才迎来了作品辉煌的结束。有网友评论说“作品有种震耳欲聋的音效，仿佛金鸡湖音乐厅的地板都在颤抖”。恢宏的乐队全奏离不开铜管组的加持。苏州交响乐团的铜管组阵容非常强大，除了乐团自己的圆号演奏员Daniel James Cogbill、Emma Whitney、贺子峰，还聘请上海歌剧院交响乐团的李汉持吹奏瓦格纳大号，带有引用意味和象征性的铜管声部形成一种凝聚力和穿透力，为浪漫派交响曲的宏大叙事添枝加叶。但是将布鲁克纳的作品和马勒相对比的话，这种震耳欲聋似乎是充满克制的。没有情感的纠结、没有内心过度的矛盾和挣扎，《第七交响曲》在抚慰与温情中结束，纪念安东·布鲁克纳诞辰200周年的音乐盛宴也就此落下帷幕。
在非理性的情感表达中实现理性的逻辑统一性、在追忆和崇敬中对前辈的成就继承和发展、在虔诚的信仰与作品内涵中实现音乐性的融合，在民族性中追求超越民族的艺术价值，我想，这也是布鲁克纳值得被纪念的原因所在。
本文原文来自搜狐网